Por la puerta trasera » Va de teatro…

“Cinco horas con Mario” con Natalia Millán

aasuero — Thu, 21 Oct 2010 08:44:10 +0000

En noviembre de 1979 se estrenaba por primera vez Cinco horas con Mario sobre las tablas de un escenario. Durante 30 años, Lola Herrera ha sido la única actriz en meterse en la piel de la viuda Carmen Sotillo con la elegancia que sabe poner en cada voz y en cada gesto. Lola ha dado vida a la viuda de este monólogo en más de 3.000 representaciones, hasta que era evidente que tenía que dejarlo.

Mario muere a los 49 años y su mujer es aún más jóven que él. Está claro que deja de entenderse el papel en una Lola Herrera que ya está bien entrada en los 60. Después de su éxito, Natalia Millán se ha atrevido a tomar el relevo de la veterana actriz. Cuentan que lo primero que hizo fue hablar largamente con Lola.

Hace unos tres años tuve ocasión de ver la obra en el Teatro Español de Madrid. Cuando me enteré de que lo traían ahora al Lope de Vega en Sevilla no dudé en repetir. Es cierto que pensé que iba a echar de menos a Lola Herrera interpretando, aunque fuese sólo un poquito. Ahora puedo decir que me equivoqué, y mucho.

Se que las comparaciones son odiosas, pero en este caso son inevitables. Natalia Millán no tiene nada que envidiar a su antecesora. Dos grandes actrices de teatro de la misma talla. De hecho, a mí me sorprendió enormemente salir de la obra sin haberme acordado si quiera de Lola Herrera. No necesité hacerlo.

Natalia me cautivó desde el principio. Encontré en ella la serenidad y la calma de la viuda, el humor negro que hace que estalles en carcajadas, la rabia contenida con algunas de sus ideas pero la comprensión del pensamiento de la época; la risotada inesperada mezclada con la tristeza profunda; el absurdo de la conversación con una persona muerta que por otro lado se revela necesaria.

Nos condujo durante 1 hora con un monólogo que hilaba sonrisa con llanto, alegría con tristeza, reproches con alabanzas. Recuerdos, memorias de una vida compartida. Lo mejor fue cómo lo hizo. Sólo con su voz, su cadencia, sus modulaciones; los paseos por el escenario, las caras, las expresiones, los gestos.

Natalia se metió al público en el bolsillo. Y lo hizo como mejor puede hacerlo una actriz. Sin apoyos, sin artificios; sólo con su voz, su presencia y su cuerpo.

Otros post relacionados

aasuero — Thu, 25 Mar 2010 13:43:31 +0000

El sábado se celebra el Día Mundial del Teatro y en Periodismo Humano quieren hacer algo chulo. Por eso, @atemporal ha pedido en twitter que hablemos de nuestros autores, personajes o frases favoritas con la etiqueta #twiteatro. Para mí, Ana Diosdado con “Los ochenta son nuestros” o “Memorias de Adriano” por Pepe Sancho son dos grandes. Pero sin duda, me quedo con una frase de García Lorca en “La Casa de Bernarda Alba”.

“He visto la muerte debajo de estos techos y he salido a buscar lo que era mío, lo que me pertenecía”

Otros post relacionados

“PAGAGNINI”, donde el humor y la música se unen

aasuero — Tue, 19 May 2009 22:20:21 +0000

El pasado sábado fui a ver “Pagagnini” al teatro Lope de Vega después de escuchar la sabia recomendación de mi madre. “Pagagnini” es una nueva producción en la que el músico libanés Ara Malikian vuelve a trabajar con la compañía Yllana para disfrute de todos los amantes del teatro y la música.

Me pasé una hora y media disfrutando como una enana gracias a un espectáculo que sabe combinar a la perfección virtuosismo musical, humor e interpretación. Los cuatro cómico-músicos estuvieron excelentes, haciendo las delicias de todos los que estábamos allí.

La trama es sencilla. Cuatro músicos profesionales se unen para dar un concierto. Al final, acaban repasando algunas obras de la música clásica más conocida con estilos musicales propios en lo que ellos mismo dicen que acaba siendo un des-concierto.

Como humoristas estuvieron geniales, pero como violinistas dejaron bien claro su enorme nivel. Todavía siguen un tiempo de gira por España así que, los que puedan, que no se lo pierdan.

Otros post relacionados

El Circo del Sol y “Varekai”

aasuero — Thu, 19 Mar 2009 09:33:33 +0000

Los orígenes del Circo del Sol se remontan a principios de los 80 en Baie-Saint-Paul, una pequeña ciudad cerca de Quebec (Canadá). Allí, se ubica un grupo de artistas callejeros llamado “Les Échassiers de Baie-Saint-Paul” que bailaban, jugaban con la música y hacían malabares por las calles.

El grupo siguió creciendo rápidamente y crearon “El club de los Tacones Alto”. En 1982 se organizó en Baie-Saint-Paul una feria donde artistas callejeros de todas partes se reunían intercambiando ideas y dando vida a las calles durante unos días. Este evento fue un éxito, se repitió en 1983 y 1984 y sirvió como escaparate para que este grupo fuera haciendo crecer su fama.

En 1984, Québec celebraba el 450 aniversario del descubrimiento de Canadá y necesitaban un espectáculo que actuase en las fiestas a lo largo de toda Québec, momento que Guy Laliberté aprovechó junto a Daniel Gauthier para dar vida a el Cirque du Soleil y desde entonces su crecimiento ha sido tan espectacular como la fama lograda a nivel mundial.

En sus inicios trabajaban para el Circo del Sol 73 personas y realizaban giras con un único espectáculo a la vez. Ahora tienen a más de 4.000 personas empleadas en los seis espectáculos que tienen por todo el mundo.

¿Qué es lo que ofrece de diferente el Cirque du Soleil?

Su idea desde el principio fue sencilla: había que reinventar el circo y mostrar al espectador un show que nunca antes había visto. Hace dos años estuve en Dralion y me fascinó. La pasada semana pude ver Varekai y no he podido más que reafirmarme en lo que ya pensaba.

El Circo del Sol nos ofrece algo diferente, un espectáculo que es en su conjunto una auténtica experiencia para los sentidos y de una belleza exquisita y sorprendente. Creo que lo mejor es el lenguaje artístico que propone: un línea argumental que lo conduce todo con un simpático narrador, una historia que se desarrolla a través de la creatividad de los elementos que la integran. Sonido, iluminación, color, vestuario, maquillaje, humor, baile, acrobacias y ejercicios imposibles le dan ese toque de distinción.

Querían reinventar el circo y lo han logrado de sobra integrando elementos de circo, ballet, teatro y musicales. El resultado es que puedes repetir con distintos espectáculos y, aunque pierde la frescura de la novedad de la primera vez, seguir sorprendiéndote.

Otros post relacionados

QUILOMBAGEN, UN CANTO A LA LIBERTAD

aasuero — Fri, 19 Dec 2008 13:09:00 +0000

La semana pasada leía un post de Juanlu que me obligó a ir al teatro. A los 3 minutos de leerlo estaba comprando las entradas para ir a ver Quilombagen en el Lope de Vega.

Un grupo de 40 chicos brasileños están de gira por España denunciando la esclavitud que todavía existe Brasil. Que esta práctica inhumana exista en el SXXI es realmente vergonzoso, por eso este trabajo de denuncia de los chicos del Centro de Defensa de la Vida y los Derechos Humanos de Acailandia es un increíble reto.

Lo dijo la señora que se subió a presentarlos. No son actores profesionales, pero conocer de primera mano todo el daño que esta práctica hace a su país les da una fuerza enorme que transmiten desde el escenario. Aman lo que hacen y el motivo por el que lo hacen.

Quilombagen es un desgarrador espectáculo que a través de la danza, la capoeira y el teatro, realiza un paralelismo entre la esclavitud de la época colonial -en la que los africanos eran enviados a Brasil como simple mercancía- y la que hoy sufren las generaciones de trabajadores descendientes de esos antiguos esclavos, sometidos a la explotación laboral y la miseria.

Lo ha dicho Soitu alto y claro: Brasil aún tiene esclavos. Hay gente que trabaja en condiciones infrahumanas’. Se calcula que entre 20.000 y 50.000 personas todavía son víctimas de esa lacra. Y eso pese a que, en 1995, el Gobierno reconoció la existencia de esclavos modernos en su economía y, a raíz de esto, fueron liberadas unas 30.000 personas en varios sectores del campo. Pero ésta es una historia que no se acaba.

Otros post relacionados

Teatro: “C’est la vie. El principio … muy duro”

aasuero — Fri, 28 Nov 2008 11:28:57 +0000

Me encanta que me hagan reir. Si encima es con cosas cotidianas, me gusta especialmente. Por eso anoche disfruté en el teatro como una enana. Había pasado bastante tiempo desde la última vez que vi una obra, así que las ganas también eran enormes. El verano de por medio y el parón en los teatros, han sido la causa. Pero ahora ya estamos en forma de nuevo.

Fuimos de nuevo a la Sala La Fundición. Últimamente soy una asidua a estas salas pequeñitas de Sevilla donde se hacen cosas muy buenas. En principio la idea era ir al teatro Central a Cinco horas sin Mario, pero nos quedamos sin entradas.

Una comedia con un guión ingenioso muy de aquí. Una historia enormemente sencilla. Una sola actriz sobre el escenario. Un decorado escaso (apenas una mesa, una silla, un biombo, una percha y unos peluches). Y muchas risas de esas que hacen que se te salten las lágrimas.

Aparece en escena una niña de 9 años, Irenita, con un tremendo vestido rosa de princesita. Llora sin parar y protesta contra una madre a la que no soporta, entre otras cosas, porque sigue poniéndole vestidos que odia.

A partir de ahí, se encierra en su habitación y se dedica a hacer lo que cualquier niño: dar rienda suelta a una imaginación desbordante cuando nadie la ve. Canta entregada para un público inexistente y saluda, se disfraza, se imagina su futuro, elige profesiones, inventa conversaciones, se ve como una famosa importante, interpreta personajes, baila, imita …

Lo dicho. Una historia común pero que hace reir. Y encima con una sola persona en el escenario. Rocío no paró de reirse y, en más de una ocasión, porque se veía totalmente reflejada en la conversación y las actuaciones de Irenita.

Si os apetece reir un poco, podéis verla hasta el sábado.

Otros post relacionados

GRAN VÍA ESPONSORIZADA

aasuero — Wed, 09 Jul 2008 10:31:23 +0000

Se que trabajando en publicidad no debería decir lo que a continuación voy a decir. Desde el punto de vista publicitario, es una buena estrategia de marca conseguir poner tu nombre a algún gran evento o, como es el caso, a un conocido teatro en la Gran Vía de Madrid. Supone un aporte cualitativo de notoriedad y recuerdo.

He trabajado para la cuenta de medios de BBVA y se consideró un gran triunfo conseguir que la liga de segunda división de fútbol pasase a denominarse “Liga Adelante”. Para el próximo año si no me equivoco han conseguido bautizar la primera división como “Liga BBVA”. Repito, buena estrategia pero…. a mí, qué quieren que les diga, no me gusta.

En los últimos años se han empezado a esponsorizar todos los teatros de Gran Vía. El Rialto pasó a llamarse Teatro Movistar y el antiguo Calderón es ahora el Teatro Haagen Dazs.

Ahora se une una nueva de las grandes salas. La firma internacional Compac Marmol&Quartz ha alcanzado un acuerdo con el teatro Gran Vía de Madrid para crear el Teatro Compac Gran Vía.

Como digo, no me gusta y por supuesto, no me sale decirle a alguien Oye, que voy a ver el musical “Hoy no me puedo levantar” en el teatro Movistar ¿te vienes?

Creo que todo esto viene de la cada vez menor asistencia de la gente a los teatros. ¡Con lo que disfruto yo con una buena obra!

Otros post relacionados

ESTRELLA SUBLIME: Historia de una insumisión

aasuero — Mon, 26 May 2008 09:31:41 +0000

Últimamente llevo un ritmo más que aceptable de teatro. Ayer nos reunimos Quatermain, Zapat, Juan y yo en la Sala Cero para ver una obra altamente recomendable para quien quiera pasarse una hora riendo a carcajada limpia hasta acabar con cierto dolor de mandíbula.

Esta sala ha decidido recuperar Estrella Sublime de la Compañía Bastarda, una obra con muchos éxitos a sus espaldas. Ha tenido más de 23.500 espectadores y gran éxito, no sólo de público, sino también de crítica. Una historia de humor incensante que mantiene al espectador de carcajada en carcajada durante todo el espectáculo.

Estrella Sublime es una obra puramente cómica, donde la intención no es otra que la risa fácil. Una historia sencilla a la vez que absurda que da pie a sucesivos momentos de carcajadas generales. El argumento es simple.

Lola es una camarera disconforme con lo que la vida le ofrece: pocas oportunidades de mejora, un trabajo en un bar aguantando a borrachos y el despecho de un hombre al que ama que se pasea por delante de sus narices con cualquier fulana. Harta de su situación, clama al cielo para que alguien la ayude.

Y la virgen, María Santísima Inmaculada Concepción del mayor dolor y desamparo de los afligidos, no tiene mejor idea que la de aparecerse delante de la barra del bar. Pero como podría haber sido de esperar, no ha venido para escuchar y aliviar a la pobre camarera, sino para contarle los problemas que tiene y lo harta que está de ser una Virgen.

A partir de ahí, el relato su vida es pura carcajada. Pide que la llamen Macu y se declara Presidenta de la Asociación de Vírgenes Insumisas, asociación que surge entre ella y sus colegas vírgenes (a Dios le dió por investigar en la clonación) que están cansadas de tener que serlo.

Cuenta que está harta de soportar a los parados y estudiantes que le piden milagros; harta de tener que andar siempre en procesión; harta de oler a madera y no tener unas piernas; harta de no tener ropa propia (todo lo que lleva es prestado de la Hermandad); harta de no poder sentir a nadie que la toque (dice no entender por qué los hombres se vuelven locos por tocar a otras mujeres y cuando la ven a ella no hacen otra cosa que no sea llorar a moco tendido);… en definitiva, harta de ser virgen.

Se muestra cansada de tener que repetir su vida año tras año. En diciembre se queda embarazada y sólo unas semanas después da a luz. Con 3 meses, su hijo ya tiene barba y dice cosas raras; y en Semana Santa se lo matan.

Macu sólo quiere convertirse en una mujer normal y le pide a Lola que la ayude a conseguirlo. Lo que no sabemos es si lo conseguirá. Pero lo que está claro es que la conversación de estas dos mujeres entre copas en el bar es digna de ser escuchada.

Otros post relacionados

HAMBURGER DE CONEJO: Nadie muere bellamente

aasuero — Thu, 22 May 2008 22:17:32 +0000

Hoy he tenido un día horrible. Era festivo en Sevilla y supuestamente no había que trabajar. Irónicamente me he pasado hasta las 5 de la tarde delante del ordenador haciendo una cosa que no me correspondía (un marrón de los grandes), con un breve descanso a la clínica de Manuel para hacerme un bendito empaste.

Mala leche y cabreos derivados aparte, el día ha tenido una buena terminación -en contra de lo esperado-. He ido al teatro, una de mis cosas preferidas como ya muchos sabéis.

He vuelto a la sala La Fundición para ver una obra que prometía bastante: “Hamburguer de Conejo, Nadie muere bellamente“. Al salir, la sensación ha sido buena aunque diferente a otras ocasiones.

Una obra preparada por Fernando Mansilla, quien dice que en ella no todo es lo que parece, pero también al contrario, llevándonos continuamente por el filo de la lógica, de la normalidad, traspasando a veces esa línea y confundiéndonos, dejándonos sin saber en qué lado estamos. Porque sus protagonistas andan siempre con un pie en el caos que subyace en la vida, son seres extremos, marginales, aunque procedan de la más absoluta normalidad. ¿Acaso ésta no es un engaño piadoso para actuar con algo de comodidad? ¿Para mitigar el miedo que nos provoca la vida?

Hamburger de Conejo’ es un texto ácido y humorístico que muestra la lucha despiadada entre dos mujeres absolutamente entregadas a la tarea de ser ellas mismas. En este combate sólo una de ellas podrá sobrevivir.

De fondo está el enfrentamiento entre dos maneras completamente opuestas de ver la vida, y los prejuicios que estas perspectivas generan en los seres humanos. Los prejuicios que llevan a la intolerancia y la muerte.

Siendo sensata, creo que no he terminado de conectar con la obra. La narrativa era complicada y en algunas ocasiones me he perdido. Honestamente creo que no he sido capaz de llegar a entenderla en toda su complejidad, porque la narración era difícil y la escenografía nada usual. Eso sí, en más de una ocasión me he reido.

Y a pesar de eso he salido encantada. ¿Por qué? Sencillo; había dos enormes actrices encima del escenario: Amparo Marín y Rozario Lajurita. Dos mujeres que te tienen embobad@ desde el principio con sus gestos, sus voces, sus miradas, sus silencios, …. Dos grandes y a la vez pequeñas presencias pisando las tablas.

En resumen, ha sido de esas ocasiones en las que merece la pena ver una representación no por la historia que nos cuenta, sino por el trabajo que las dos actrices desarrollan desde el principio hasta el final. Estarán hasta al domingo, así que todavía podéis animaros.

Otros post relacionados

MÁS JANGO EDWARS

aasuero — Fri, 25 Apr 2008 08:43:52 +0000

Ayer os hablé de que habíamos estado viendo a Jango Edwars, el payaso. He estado rebuscando por internet algún vídeo y desgraciadamente no he encontrado el de Jango cantando “¿qué será, será…?” pero os dejo éste que tampoco tiene desperdicio y con el que nosotros nos reímos mucho.